TIAGO ROCHA COSTA
TIAGO ROCHA COSTA clearly situates his visual universe in three-dimensionality, currently marked by “fossilized artifacts.” Nature is a central point in his work, exploring its limits and interconnections with a critical and expressive eye.
*
How would you describe your practice? My practice lies somewhere between painting, sculpture, and installation, so I see myself essentially as a visual artist. I have never felt that disciplinary issues have influenced the direction of my work.; what truly interests me is responding to an authorial universe that seems to assert itself. Over time, this universe has manifested itself through different supports and ways of doing things, which are, in part, determined by the specificity of each project. Currently, this location is filled with three-dimensional objects that look like "fossilized artifacts."
I believe that I am driven by a curiosity similar to that of some scientists, as the themes I pursue through my work are things that interest me deeply and about which I would like to know everything. But since that is not possible, what I do is an artistical approach to the issues that concern me and that I would not be able to resolve in any other way. In recent years, I have been interested in methods of representing and classifying nature (as they appear throughout the history of natural sciences), in the possibilities of coexistence between species, and in the processes of erosion and sedimentation that shape our perception of time.
How do you define your work process? In my work, there is a reciprocity between previous ideas and the coincidences that arise in the studio or outside it. Natural and artificial materials are intertwined, as I believe each possesses important properties and connotations for the discourse of the work, particularly when addressing the concept of nature or post-nature. The Synthetic Sealife series (2022) originated from an accidental chemical reaction. I had left a fishing bait resting on a plate made of extruded polystyrene, and after several days, I noticed that the rubber object was corroding the surface beneath it. I prefer to work in series, with identical objects that follow the same principles, but which, as the work progresses, become more individual. Some become larger, narrower, darker, more colorful, or more complex; others present deformations that move them away from their point of origin. Either way, they become something they weren't in the beginning, and that's something I don't try to fully control. It is an almost taxonomic logic, typical of the classification systems that interests me so much. As in a species in which all individuals are the same, but unique.
What references appear/reflect throughout time in your works? I often return to the same themes, primarily drawn from biology, paleontology, and archaeology, as I connect with their subjects and processes. In two recent series – "Conceito Tropical" (2024) and "Ichthyosaurus" (2024) – I worked with images I found in natural history museum archives. The former are of exotic birds preserved in drawers; the latter are fossils of marine reptiles, displayed in showcases. Once, I started a collection of flykillers. I became interested in the insects depicted on the plastic grids and the pop colors of this crushing tool. A few months later, I found illustrations of a giant prehistoric dragonfly and wanted to imagine what it would be like if we shared the same space and time. That reminded me of how much I loved insects when I was younger, their negative connotation in both cities and the countryside, and the scale problem they present – as the very small and the very large don’t always make sense together. I decided to bring these concerns into the studio and give them form. First came the drawing, then the structure, and finally the green mortar that turned into rock. From this came "Meganeura" (2023).
In what ways is nature explored in your works? Nature is a theme that has always been present in my life, and I recognize that it cannot be separated from culture. This realization has led me to explore the connections and boundaries between the two. My work inherently includes a human dimension, serving as a layer that mediates our experience with nature while embracing some artificiality in the processes involved. This perspective prompts me to question anthropocentric viewpoints and reflect on our fragility as a species. On one hand, I view nature as a concept in crisis that is unlikely to meet the expectations set by its representations in the past. On the other hand, I continue to see it as a powerful force that, despite our efforts to dominate and exploit it, has the potential to reinvent itself beyond human temporality. Perhaps that's why I resonate with the materiality of fossils and ruins; their remnants remind me of transience and allow me to envision multiple pasts and futures. Although some of my works can be interpreted from an environmentalist perspective, I approach them without any moralistic intent. I am resistant to telling the viewer how they should feel, act, or position themselves regarding a particular theme. Likewise, despite the scientific references that accompany my work—references I enjoy discussing—I don’t consider it educational. My work does not aim to produce useful knowledge or explain external events. Providing context about a specific species or phenomenon I wish to represent can be helpful, but if my work sparks interpretations that stray from my initial intentions, I see that as a positive outcome.
Finally, what are you currently working on? In the coming months, I will focus on writing my PhD thesis, which relates to some of the issues we have discussed earlier. Alongside the practical component, I am researching, from a theoretical perspective, how visual arts, scientific knowledge, and fiction can (or cannot) contribute to reconfiguring our relationships with the natural world. This year, I have two collaborative projects planned that I am very excited about. One of these projects, called Hedone, is an initiative by Plato that challenges me to think about the concept of hedonism in the context of my work, linking it to the issue of capital. The other project, Simbiopolis, is an art and ornithology initiative I am coordinating, in which I have invited four artists to join me in reflecting on the cultural meaning of exotic birds living freely in urban environments. This project focuses on the case of the rose-ringed parakeets in Lisbon. Both projects will culminate in exhibitions at the end of the year.
TIAGO ROCHA COSTA situa claramente o seu universo visual na tridimensionalidade, marcada atualmente pelos “artefactos fossilizados”. A natureza assume-se com um ponto central do seu trabalho, explorando com um olhar crítico e plástico os seus limites e entrelaçamentos.
*
Como descreverias a tua prática? A minha prática situa-se algures entre a pintura, a escultura e a instalação, por isso vejo-me essencialmente como artista visual. Nunca senti que o rumo do meu trabalho fosse determinado por questões de ordem disciplinar, até porque aquilo que realmente me interessa é conseguir responder a um universo autoral que parece impor-se por si mesmo. Ao longo do tempo, esse universo tem-se manifestado através de diferentes suportes e modos de fazer, que são, em parte, determinados pela especificidade de cada projeto. Atualmente esse lugar é ocupado pela tridimensionalidade, com os «artefactos fossilizados». Acredito que sou movido por uma curiosidade semelhante à de alguns cientistas, pois os temas que persigo através do meu trabalho são coisas que me interessam profundamente e sobre as quais gostaria de saber tudo. Mas como isso não é possível, o que faço é uma aproximação plástica às questões que me inquietam e que não conseguiria resolver de outra forma. Nos últimos anos tenho-me interessado por métodos de representação e classificação da natureza (conforme aparecem ao longo da história das ciências naturais), pelas possibilidades de coexistência entre espécies, e também pelos processos de erosão e sedimentação que moldam a nossa perceção do tempo.
Como caracterizas o teu processo de trabalho? No meu trabalho existe uma reciprocidade entre ideias prévias, e os acasos que surgem no atelier ou fora dele. Cruzam-se materiais naturais e artificiais, porque acredito que cada um tem propriedades e conotações importantes para o discurso da obra, sobretudo quando se aborda a ideia de natureza ou de pós-natureza. A série Synthetic Sealife (2022), por exemplo, nasceu de uma reação química descoberta de forma acidental, quando deixei um isco de pesca pousado sobre uma placa de poliestireno extrudido e, passado vários dias, reparei que aquele objeto de borracha estava a corroer o suporte. Tenho uma preferência em trabalhar por séries, com objetos idênticos que obedecem aos mesmos princípios, mas que, à medida que o trabalho avança, se individualizam. Alguns tonam-se maiores, mais estreitos, escuros, coloridos ou complexos; outros apresentam deformações que os afastam do ponto de origem. De qualquer modo, tornam-se uma coisa que não eram no princípio, e isso é algo que não procuro controlar na totalidade. É uma lógica quase taxonómica, própria dos sistemas de classificação que tanto me interessam. Como numa espécie em que todos os indivíduos são aparentemente iguais, mas únicos.
Quais as referências que vão aparecendo/reflectindo ao longo dos tempos nas tuas obras? O meu universo de referências é cíclico e tenho a sensação de que regresso sempre aos mesmos temas. A maior parte provêm de áreas científicas como a biologia, a paleontologia ou a arqueologia, porque me identifico com os seus objetos de estudo e processos. Em duas séries recentes – Conceito Tropical (2024) e Ichthyosaurus (2024) – trabalhei com imagens que encontrei em arquivos de museus de história natural. As primeiras são de aves exóticas conservadas em gavetas; as segundas de fósseis de répteis marinhos, emoldurados em vitrinas. Uma vez, comecei uma coleção de mata-moscas. Interessei-me pelos insetos desenhados nas grelhas de plástico e pelo colorido pop desta arma de esmagamento. Alguns meses depois encontrei ilustrações de uma libélula pré-histórica gigante e quis imaginar como seria se partilhássemos o mesmo espaço e tempo. Isso lembrou-me do quanto gostava de insetos quando era mais novo, da sua conotação negativa nas cidades e no campo, e do problema de escala com que nos confrontam – pois o muito-pequeno e o muito-grande nem sempre se compreendem. Decidi levar estas inquietações para o atelier e dar-lhes corpo. Primeiro veio o desenho, depois a estrutura e, por último, a argamassa verde que se transformou em rocha. Daqui nasceu Meganeura(2023).
De que forma(s) é explorada a natureza nas tuas obras? A natureza é um tema que sempre me acompanhou e, por reconhecer que não é possível separá-la da cultura, tenho-me interessado por explorar os seus limites e entrelaçamentos. No meu trabalho está implícita uma dimensão humana, como uma camada que medeia a nossa experiência com a natureza e que abraça até uma certa artificialidade dos processos. Isso leva-me a questionar pontos de vista antropocêntricos e a pensar na nossa fragilidade enquanto espécie. Por um lado, vejo a natureza como um conceito em crise que dificilmente poderá corresponder às expectativas criadas pelas suas representações do passado. Por outro, continuo a vê-la como uma força que, apesar dos nossos esforços para a dominar e instrumentalizar, tem a capacidade de se reinventar muito para além da temporalidade humana. Talvez seja por isso que me identifico com a materialidade dos fósseis e das ruinas – porque os seus fragmentos me lembram desta transitoriedade e me permitem imaginar múltiplos passados e futuros. Apesar de algumas das minhas obras poderem ser interpretadas de acordo com uma perspetiva ambientalista, considero-as desprovidas de uma atitude moralista, pois tenho alguma resistência em dizer ao espectador como se deve sentir, comportar ou posicionar perante um determinado tema. Do mesmo modo, apesar das referências científicas que o acompanham, e sobre as quais gosto de falar sempre que tenho oportunidade, penso que o meu trabalho não é didático, pois não produz conhecimento útil nem tenta explicar acontecimentos que lhe são exteriores. Por vezes, pode ser útil fornecer algum contexto sobre uma determinada espécie ou fenómeno que quis representar, mas se o meu trabalho despertar outras leituras, ainda que longe das minhas intenções iniciais, isso será um bom sinal.
Por último, em que estás a trabalhar atualmente? Nos próximos meses vou estar focado na escrita da minha tese de doutoramento, que se relaciona com algumas das questões de que falámos anteriormente, pois além da componente prática, estou a investigar, de um ponto de vista teórico, sobre a forma como as artes visuais, o conhecimento científico e a ficção, podem (ou não) contribuir para reconfigurar as nossas relações com o mundo natural. Para este ano tenho prevista a minha participação em dois projetos colaborativos que me entusiasmam muito. Um deles – Hedone – é uma iniciativa da Plato, que me desafiou a pensar o conceito de hedonismo no contexto do meu trabalho, ligando-o ainda à questão do capital. O outro – Simbiopolis – é um projeto de arte e ornitologia que estou a coordenador e para o qual convidei quatro artistas para, em conjunto, refletirmos sobre o significado cultural das aves exóticas que vivem em liberdade nas cidades. Isto a partir do caso dos periquitos-de-colar, em Lisboa. Ambos os projetos terão momentos expositivos no final do ano.
